Críticas


¿La mejor película de Batman?

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A cualquier persona que le hagas la pregunta que menciona el título de la entrada tardaría dos milésimas de segundo en responder, casi de forma automática, o bien “El caballero oscuro” de Nolan o “Batman” de Burton. Es cierto que puede haber opiniones que varían y recorran la filmografía del caballero oscuro por completo pasando por “Batman begins”, “Batman returns” e incluso por la dilogía de Schumacher (hay gustos para todo). Lo que muy pocas personas incluirán en este debate es la gran colección de películas animadas existentes protagonizadas por este oscuro personaje.

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Batman en su máximo esplendor

El conocimiento del Batman animado se concentra en la serie de los 90 o en alguna de sus recientes conversiones, como las dos partes de “El regreso del caballero oscuro”, muy recomendables todas. Pero, es una producción de 1993 que pasa desapercibida para la gran mayoría de las personas. “Batman: La máscara del fantasma” es un película que se mueve dentro del mismo universo que la serie animada de Batman de los 90 salvo contando con un presupuesto mucho mayor que hizo que se estrenara en los cines de la época.

La trama nos cuenta la historia de un misterioso personaje (el fantasma) que asesina uno a uno a los mayores criminales mafiosos de Gotham y, debido a su indumentaria, es confundido con el murciélago. Esta primera historia va ramificándose y desarrollando diferentes acontecimientos que nos embarcan en un viaje en el que descubriremos más sobre Bruce Wayne, su psicología y motivación que en todas las películas que ha encarnado este personaje.

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El no Batman

El punto fuerte de esta producción es la ambientación gótica que tan bien supo plasmar Burton en su primera película y que se ha ido perdiendo en la saga de Nolan. La animación, como he explicado en más de una ocasión en este blog, es una increíble herramienta que permite crear mundos que serían imposibles en otro tipo de películas. Los juegos de luces y sombras que nos presentan en este largometraje beben directamente de la serie animada original y los elevan a cotas que rozan casi la perfección.

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Este ambiente creado por el dibujado a mano de los escenarios y personajes lo culmina una banda sonora muy buena y un doblaje increíble en el que se incluye, con permiso de Nicholson y Ledger, el mejor Joker de la historia, ni más ni menos que Mark Hamill. Tras colgar el sable de luz con el fin de la primera trilogía de Star Wars, la carrera de Hamill se ha centrado en el doblaje de diversos personajes animados entre los que se encuentra este Joker que borda de manera magistral. Tal es el aprecio de este doblaje que la Warner y DC lo han incluido en la siguiente película de animación “La broma asesina” que tanta expectación ha causado.

Todo esto crea una ambientación genuina que se diferencia de la falta de ambiente gótico de las películas de Nolan y el casi ortopédico dinamismo de Batman en las de Burton añadiendo un estilo Neo-noir, que ya existía en la serie animada, haciendo casi imposible el no imbuirte en el mundo oscuro de Gotham.

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La elección del heroe

El pináculo de esta obra lo culmina las escenas finales en las que uno de los últimos mafiosos acude al Joker para que le proteja de Batman, aunque en realidad lo está persiguiendo el fantasma, comenzando una de las escenas que se me ha quedado grabada en la memoria desde que la vi con seis años. Esta etapa final se desarrolla en un parque de atracciones en el que tiene asentada su guarida el Joker y en el que Bruce Wayne conoció a su amor, que casí hizo que tirara la capucha de Batman. La lucha con el Joker aúna unas cotas de acción bastante potentes, notas cómicas con un Joker que se sale del gráfico y un drama romántico de trasfondo que le da un final épico a la película.

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El comienzo de la locura

Tras lo dicho no puedo afirmar que “Batman: La máscara del fantasma” sea la mejor película del caballero oscuro hasta la fecha debido a los grandes competidores que presenta, pero sí que tiene el derecho a estar entre las más grandes.

Resumen:

Una película magistral que recoge lo mejor de la serie animada de los 90 y lo perfecciona con una ambientación impresionante y unos actores de doblaje de lujo que hace que no tenga que envidiar nada a las producciones de Nolan y Burton. Verla en V.o.

Melchian

Las peores películas de la historia: “Robo vampire”

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Como no podía ser de otra manera volvemos con nuestro gran compañero Ho, Godfrey Ho, el cual, va a ser un invitado especial en numerosas ocasiones por estas páginas virtuales. Y es que no podía ser de otra manera, unos meses después de terminar el rodaje de “Thunder of gigantic serpent”, y descansar un par de horas, nuestro director favorito volvió a la carga con otra maravilla fílmica: “Robo vampire”.

La “trama” se forma de la siguiente manera: Unos americanos malotes quieren traficar droga y protegerla de la policía china por lo que optan por la opción más sencilla, contratan a un chamán chino para que cree vampiros y así poder utilizarlos para transportar la droga. En respuesta los científicos crean un robot a partir de un militar americano muerto por los vampiros para que acabe con la amenaza. El problema viene cuando esta premisa se acaba a los 5 minutos de metraje por lo que Ho tiene que llenar los 85 restantes con subtramas sin ningún tipo de sentido. Entre ellas nos encontramos la historia de amor entre una bruja/fantasma china, encarnada por una actriz estadounidense, y un vampiro con cara de mono. El amor entre ellos es tan profundo que convencen al chaman de turno para que los case salvando su vida en más de una ocasión, debido a que los vampiros y el robot tienen un sentido de amor platónico muy desarrollado.

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Amor a primera vista

Otra de las subtramas que desearas que no exista es la del secuestro de una monja (¿) china por los malotes que ayudan a los de la droga… convirtiéndose en el hilo conductor una vez que te cansas de ver pelear a los vampiros y robots.

Cuando consigues abstraerte de las historias inconexas y sin sentido que te presenta la cinta intentas centrarte en otros aspectos de la película en los que buscas cierto alivio visual encontrándote con las dos criaturas protagonistas.

Las leyendas cuentan que alguna vez se hizo una película sobre vampiros chinos que no diera vergüenza ajena y este es un punto donde debemos exculpar al pobre Godfrey, por que los vampiros mitológicos de origen asiático son un tanto esperpénticos. Ahora os voy a redireccionar a la crítica de este mismo ciclo “Las peores películas de la historia: The jitters” para que veáis de que estoy hablando. Se repiten los mismos tópicos vampíricos:

  • Los vampiros siguen desplazándose a saltitos en una posición un tanto agarrotada (brazos estirados hacia adelante, palmas hacia abajo y pies juntos).
  • Siguen abundando los talismanes paralizantes en forma de papeles con letras chinas, los cuales llevan un adhesivo especial que hace que se peguen y despeguen en situaciones comprometedoras.

Aun así, el gran Ho, añadió unos cuantos elementos para darle originalidad a su obra maestra:

  • Los vampiros no chupan sangre, comen carne, una única vez en toda la película.
  • Tienen un vínculo especial con la droga X (polvo blanco del que no se específica su origen) y se cabrean cuando les timan sustituyendo la droga por harina de arroz.
  • Dependiendo de complejas características genéticas implícitas en el material ribonucleico de la mitocondria derecha de la célula del lóbulo de la oreja izquierda de cada espécimen mutan de forma diferente. A saber, vampiro con pústulas por toda la cara, vampiro con familia de gusanos en fosas nasales, vampiro con cara de King Kong, vampiro modelo de belleza…
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Además, nuestro amado chamán chino ha conseguido mejorar tecnológicamente a los vampiros. El nuevo modelo de criaturas de la noche lleva incorporado ciertos gadchets que les convierten en armas de destrucción masiva, desde cohetes (petardos) en las mangas, pasando por vapor comprimido en manos y boca (extintores) y lanzallamas que se basa en la misma tecnología que los sopletes utilizados para construir al robot (bengalas).

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¡Por el poder de Grayskull!

Y así, como por arte de magia, llegamos a la parte donde se crea al antagonista de los vampiros, una suerte de robocop último modelo (tal y como se puede ver en el cartel de la película) al que le patean el culo más de una vez debido a su insistencia por matar a los vampiros a base de balas. La explicación que monta la película para intentar dar un sentido a la ineficacia de este androide es simple, tiene el corazón roto por que su novia lo dejó hace escasas semanas y su nuevo estómago metálico no le permite atiborrarse de helado y chocolate.

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Antes

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Después

La excitación llega a cotas desbordantes cuando la pelea final se desarrolla no entre el super capo de la droga y el robot asesino, como sería lógico, sino entre la bruja/fantasma china/americana y el chamán crea vampiros. Manteniendo como premisa que se han enfrentado con anterioridad en dos ocasiones en las que la bruja le ha pateado el culo al chino convenciéndolo para que la uniera en santo matrimonio con un vampiro, el espectador no guarda mucha expectación en este combate. La bruja vuelve a patear el culo al malo crea vampiros, los monstruos desaparecen y todos viven felices.

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Electrocardiograma de tecnología punta oiga.

Esta es una película que toma la excusa del transporte de drogas para crear vampiros que, en definitiva, no transportan drogas que a su vez sirve de excusa para que unos científicos creen un robot mata-vampiros que, en definitiva, no mata vampiros con el máximo objetivo de entretener al espectador que, en definitiva, no entretiene ni al propio Godfrey.

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¡Viva la interpretación!

Resumen:

Peor que “Thunder of gigantic serpent” en todos los niveles. Ed Wood debe de estar removiéndose en su tumba.

Melchian

Cuatro bodas y un funeral

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En el verano de 1994 se produjo un hecho un tanto insólito: una película de producción inglesa se coronaba como la comedia romántica del año conquistando los corazones (y la cartera) de los grandes EEUU. “Cuatro bodas y un funeral” conseguía adjudicarse casi 250 millones de dólares a nivel mundial compitiendo con otras comedias como “La máscara” y con dramas como “Forrest Gump”. No sé si el hecho de su éxito estuvo influido por la falta de comedias románticas en ese año pero alcanzó cotas de popularidad muy altas.

Este largometraje nos presentaba a un elenco de actores de calidad creciente y una historia conducida de forma original. El título de la película es un fiel reflejo del desarrollo de la trama ya que las situaciones que la componen se reparten entre los 5 acontecimientos que se nombran en el mismo. Aun así el hilo conductor de la película se antoja genérico, a saber: Chico se enamora de chica al primer vistazo, chica abandona chico, chica se promete, chico se declara, a la chica le da igual, chica se casa, chico se deprime, chica se separa, chica no dice nada al chico, chico se promete, chica va a la boda para hacerla más agradable al chico, chico abandona a su prometida en el altar, chico y chica acaban juntos.

La pareja protagonista, encarnada por Hugh Grant y  Andie Macdowell, no puede parecer más convencional. Charles representa todos los tics y características que forman los personajes de Hugh Grant a lo largo de su carrera haciendo que todas sus películas parezcan formar la tortuosa vida de un único individuo tímido y tartamudo que se ha casado y le han abandonado mil veces. A Andie Macdowell, sin embargo, no le dan casi tiempo a desarrollar su personaje entre las escenas de sexo que protagoniza y los planos de su nuca.

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Plano común de Andie Macdowell en toda la película

Y es que se crea una pareja central tan cliché que la película te pide a gritos que te centres en el gran conjunto de actores y personajes secundarios que revolotean alrededor de los protagonistas esgrimiendo unas historias que se antojan más interesantes que la trama principal. Una de las constantes de la película es ver a Grant sumido en un pozo de desdicha y preocupación por que no puede encontrar a una mujer para casarse con ella. El ambiente de melancolía es tal que resulta un tanto exagerado al compararlo con las desdichas de sus compañeros de viaje. Entre ellos tenemos a Simon Callow y John Hannah, en dos actuaciones muy memorables, encarnando a una pareja de homosexuales que viven en la clandestinidad (incluso de sus propios amigos) que se destapa al final de la película con la muerte de uno de ellos; Kristin Scott Thomas encarna a la mejor amiga del protagonista, sarcástica y pesimista, pasa toda la película metiéndose con todo el mundo para desvelarnos al final de la misma que lleva enamorada en secreto de Hugh Grant desde que lo conoció y que ha decidido que la vida es una mierda; James Fleet forma un personaje estúpido que ya no busca el amor sino a alguien que le soporte, cuando por fin siente ese flechazo mutuo es en relación a una pariente suya. Estos factores crean un sentimiento de simpatía hacia las desdichas de los personajes secundarios y una desidia hacia lo que le pase a la pareja principal de una forma continua y en crescendo a lo largo de la película.

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– Qué misería de vida la mia…

Otra característica constante a lo largo de todo el metraje es la alusión al fenómeno de la boda como el éxito final en la vida de todos y cada uno de los personajes que desfilan en la película. Incluso, en una de sus últimas líneas, Simon Callow dice lo siguiente, tras hacer una alegoría hacía el amor único:

  • Esta noche, estas son vuestras órdenes: Salgan ahí y relaciónense. Encuentren maridos y esposas.

Esta frase resume el objetivo último que plasma la película en cada uno de sus fotogramas. Crea un monumento ficticio y vacío en honor al matrimonio con el único objetivo de poder derruirlo al final.

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– ¡Viva el amol! ¡Y los bodorrios!

Independientemente de lo dicho son los detalles los que hacen sobrevivir a esta producción, los toques cómicos de un Grant tópico, la camaradería que se percibe entre el grupo variopinto de amigos y sobre todo esos personajes secundarios, destacando por encima de todos a Rowan Atkinson en el papel de sacerdote primerizo. Factores que hacen que al final la película te entretenga y te frustre a partes iguales al darte cuenta que, al final,  nunca vas a saber cómo acaban las decenas de historias que si te importan.

Resumen:

Largometraje tópico y típico salvado por los pequeños detalles y ese elenco de actores secundarios que crean historias paralelas que roban el protagonismo a la pareja principal.

Melchian

 

Song of the sea

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La animación es un género cinematográfico que se presta a un mayor moldeamiento por parte del director que cualquier otro. Es verdad que en todas las películas de Hitchcock podemos ver las huellas y rasgos que lo caracterizan, así como siempre podremos distinguir un trabajo de Lynch o de Kubrick frente a otros más comunes o genéricos. Pero lo que es indiscutible es la ductilidad de los trazos presentes en las películas animadas y como los grandes artistas hacen uso de esta maleabilidad. Eso es lo que más admiro de este género y eso es lo que me empuja a escarbar entre pilas y pilas de series y películas animadas con trazos genéricos, sin el ímpetu necesario para hacer algo distinto, hasta que florecen cosas como estas. Directores como Plympton, Bass o Bakshi crean obras de arte en movimiento y, de vez en cuando, otros directores se les unen.

Entre la animación europea más moderna se ha autoimpuesto un nombre que ha demostrado su valía en su primer largometraje y la ha consolidado con su último trabajo. Tomm Moore nos presentó hace escasos dos años “Song of the sea”, un largometraje preciosista que hace uso de diversas técnicas de animación para traer a la vida una historia del folclore irlandés. La trama se centra en los tejemanejes que se lleva una familia rural aislada del mundo cuando el destino los obliga a mudarse a la ciudad.

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La historia que se desarrolla tiene numerosos paralelismos con otras grandes películas del género. Miyazaki se puede ver por muchas escenas. Esa obsesión del director japonés por “esperpentizar” las figuras humanas, sobre todo las que asumen un rol maligno (“El Viaje de Chihiro”, “El castillo ambulante”…), se puede apreciar claramente en el enemigo mitológico que se representa en este trabajo. También, la facilidad que muestra este director por la adaptación de elementos del folclore japonés en largometrajes de índole familiar, de fácil digestión y con un componente de inmersión espectacular encuentra su símil con la facilidad con la que Moore nos introduce en ese mundo lleno de gnomos, hadas, trolls y otras criaturas mitológicas. Es indiscutible la similitud existente entre películas como “Ponyo en el acantilado” o “Mi vecino Totoro” y el trabajo que nos atañe y no es de extrañar que estas últimas hayan sido una fuente de inspiración notable en el desarrollo de la trama de la película.

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Pero, sinceramente, por mucho que la historia sea el motor de la película no es lo que me obligó a estar la hora y media que dura la misma delante del televisor.

La trama de este largometraje es un mero vehículo que transporta la inigualable ambientación “celta” en la que se apoya la totalidad del trabajo. Se podría decir que existen dos películas totalmente diferentes, la primera parte en la que los protagonistas desarrollan su vida en la ciudad y la segunda parte donde se desata la magia que se esconde detrás de la leyenda irlandesa. Son en estos últimos tres cuartos de hora cuando la excelencia de Moore con la animación brilla en su máximo esplendor. Y es que no basta con saber hacer las cosas bien, hace falta transmitir, hace falta imbuir al espectador en el mundo que creas, y esta película lo consigue.

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Los trazos redondeados de este animador, a los que ya nos acostumbró en su primer largometraje (“El secreto del libro de Kells”), se mezclan con runas celtas grabadas en cualquier superficie, brillos hipnóticos y geométricos que inundan el aire, escenografías sacadas de libros infantiles que cobran vida imbuidas por la magia del director, estatuas y elementos decorativos que automáticamente agregas al paisaje sin fijarte en ellos pero que en realidad llevan un carga inmersiva enorme. En definitiva, un compendio de imágenes que sacarán a ese pequeño ser infantil que llevamos dentro. Lo que menos me gusta de estas películas es lo mal que se explican sus virtudes mediante palabras, por ello, os insto a que le echéis un ojo y os zambulláis de lleno en ese mundo de fantasía folclórica preciosista del que nunca querréis salir.

Resumen:

Una maravilla de lo animado. Preparate para viajer y sumergirte en un mundo rico y preciosista.

Melchian

The cabin in the woods

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La carencia de originalidad en el cine actual es un hecho casi irrefutable. Mientras que los grandes estudios de Hollywood apuestan por los famosos remakes innecesarios, precuelas de películas de hace más de 20 años y secuelas octogenarias los fans se han cansado ya de revindicar ese concepto de originalidad que parece tan desligado de la industria del séptimo arte.

Pero como en todo esta premisa apocalíptica no es universal. Aún quedan pequeños directores que impresionan con borradores a los grandes productores y, de vez en cuando, sale a la palestra un largometraje que insufla un poco de aire fresco.

En el 2011 la MGM produjo la idea de un joven director que ha llegado a convertirse en una película de culto en tan solo dos años y medio. Estamos hablando “The cabin in the woods”.

La sinopsis oficial nos la vende como un típico slasher rural, una cabaña abandonada en el bosque, un grupo de adolescentes y “algo” que empieza a matarlos. Y es que este largometraje no es más que una sucesión de clichés y tópicos de terror con el único objetivo de satirizar un género que lleva estancado demasiado tiempo.

Los amantes de estas películas encontrarán homenajes a grandes clásicos que nos intentan vender como exigencias del guion. De esta forma se desarrolla una trama que mezcla un gore ligerillo, terror, mucho humor negro y surrealismo apocalíptico. ¿Qué más se puede pedir?

Los puntos fuertes de esta película se centran principalmente en tres facetas:

–          La deformación de una trama, que en un principio parecía de lo más tradicional, hasta convertirse en una sucesión de giros, sorpresas y eventos que bien podrían protagonizar una película surrealista de los años 70. No voy a entrar en detalles para no destriparos la película.

–          El segundo pilar es la innumerable lista de homenajes al cine de terror clásico y moderno. Desde la casa, pasando por el guion, los personajes etc, etc… Lo más interesantes de esto es que  al final te preguntas si son verdaderos homenajes o una sátira más de la degeneración de género actual o, incluso, una necesidad real del guion para el desarrollo de la inusual trama.

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La cabaña de “Evil dead 2”

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La cabaña de “The cabin in the woods”

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La caja redonda de “Hellraiser”

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Un “Hellraiser” con su cajita

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Versión diario del Necronomicon con frase en latín incluida.

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Espiritu japo con mala ostia… ¿Samara?

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Si, no me he equivocado de captura… “Los extraños”

–          Y el tercer y último es un humor negro vasto, crudo e irónico que arranca carcajadas esporádicas que se mezclan con planos de desmembramientos y puros ríos de sangre.

El colofón final es ese cierre del telón magistral que corta la trama justo donde la tiene que cortar y que te deja con unas ganas increíbles de rebobinar (o volverle a dar al play) para disfrutar de nuevo de esa más de hora y media de aire fresco que, irónicamente, exprime los grandes clásicos con afán de innovación. Industria hollywoodiense, tomad nota.

Resumen:

Impresionante y sarcástica obra reivindicadora de originalidad que, irónicamente, se basa en los grandes clásicos del género del terror para crear una trama completamente original. Una película de culto echa a base de obras de culto.

Melchian

The face of marble

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El prolífico germen de las películas de ciencia ficción que se instauró en las décadas de 40’s, 50’s y, más notablemente, en los 60’s nos ha dejado verdaderas joyas. Invasiones extraterrestres, monstruos gigantes, aerolitos vivientes, cerebros voladores, incontables scream-queens en blanco y negro y mucha, mucha imaginación. En todas ellas suele existir un denominador común: el científico loco o “mad doctor”. Este entrañable y, sobre todo, irreal personaje protagoniza incontables metrajes de escasa hora de duración donde los términos científicos de “atomo”, “electrón” y “protón”,  entre muchos otros, son utilizados para hacer el mal pero algunas veces con buenas intenciones.

De entre todas las películas habidas y por haber es en “The face of marble” donde se reúnen dos cabezas con demasiado poco conocimiento de las artes científicas. La trama de este largometraje nos sitúa en alguna jungla medio asilvestrada donde en una perdida casa un doctor y su ayudante intentan vencer a la muerte. Para ello utilizan una corriente de alta potencia, una misteriosa fórmula y mucha electricidad estática.

En los escasos 60 minutos que dura la película el doctor y su ayudante utilizan avanzadas tecnologías como la energía electrónica, que no eléctrica, o medidores Wescott que no dejan de ser generadores planos y llanos. Conforme estos dos curiosos personajes se enredan con sus inventos entran en escena dos vertientes más esotéricas a las que no nos tienen acostumbrados este tipo de películas. Y es que en esta producción no solo interviene esa falsa tecnología futurista sino que también hace acto de presencia un extraño voodoo, con diosas propias y todo, fantasmas e incluso algunas escenas policiacas.

Parece que “The face of marble” intentaba hacer un guiño un tanto rebuscado a las películas de zombies que proliferaban por aquellos tiempos donde una bruja/o dominaba las mentes de los muertos y los convertían en asesinos despiadados libres de conciencia. Aquí la ciencia y el esoterismo se dan la mano para llegar exactamente al mismo fin pero, quizás, con un poco más de acierto.

Técnicamente no se le puede reprochar mucho a la película, la fotografía, las actuaciones, los planos, la iluminación e incluso los efectos especiales de laboratorio, con sus burbujas, humos y neones resplandecientes, dan bastante el pego. El problema viene con un guion desaborido, libre de toda idea convincente y que se deja llevar por esa oleada de ciencia ficción de serie b que pasa sin pena ni gloria.

Aun así se convierte en un entretenimiento aconsejable si lo que se quiere es ver una de esas rarezas de los cuarenta donde un director olvidado intenta ganarse escasos 500 dólares con una película de ciencia ficción.

Resumen:

Típica y tópica mezcolanza de géneros dentro del fantástico estadounidense de los 40’s. No desagrada pero tampoco entusiasma.

Melchian

Habfürdö (Foam bath)

La animación es un género ampliamente explotado en el pasado y que esta resurgiendo de la mano de las últimas aplicaciones tecnológicas a la industria del cine. Uno de los países que más está participando en este remonte del mundo animado es Hungría. Históricamente vienen a la mente nombres como el de  Marcell Jankovics, director de varios largos, cortos y un par de series animadas, la mayor parte producidas por el gobierno húngaro. Pero hay que remontarse a 1980 para conocer la obra magna de un director invisible, György Kovásznai.

Habfürdö”, “Foam bath” o “Espuma de baño” son las formas con las que se conoce esta película. Relata la historia de un hombre que, ante su inminente boda, decide escapar presa del terror y las dudas. Este puede ser un argumento engañoso, ya que la verdadera protagonista del largometraje es una mujer joven, culta que se verá implicada en la trama.

Habfürdö” reúne ochenta minutos de animación surrealista, experimental, donde las formas, contornos y colores no son estáticos sino que varían con cada movimiento de la cámara, con los sentimientos de los personajes, con la tensión del momento, otorgando una vibración, un contoneo continuo durante toda la película que hace que se convierta en una especie de baile infinito.

Este dibujo tan surrealista parece adelantado a su época, e incluso, en la década actual sería difícil encontrar una obra semejante. Los colores son apagados en la mayor parte del film centrándose en los ocres, blancos, grises, lilas y verdes dejando para los momentos más intensos las tonalidades brillantes con azules eléctricos, efectos de niebla multicolor o desdoblamientos de la imagen. En conjunto crea una sensación efectista, extraña y en algunos casos cautivadora.

Y es que el trabajo experimental de György Kovásznai no se limita únicamente al uso de colores y el trastoque de la realidad sino que en este mismo largometraje podemos encontrar varias técnicas de animación como el coloreado y el collage, o las trasparencias y el perfilado, todo ello mezclado con canciones que dotan a la película del título de musical experimental.

Con todas estas maravillas visuales el espectador tiene que hacer un acopio enorme de concentración para intentar seguir el hilo principal de la historia, el cual se paraliza, desdobla y desaparece en los momentos más inesperados. El argumento puede recordar a esas películas “de lios” de los años 50 y 60 protagonizadas por Jack Lemmon, Katharine Hepburn o Cary Grant, donde un pobre y sencillo personaje se ve envuelto en una trama ajena. De esta forma se presentan situaciones y escenas cómicas inspiradas en “El apartamento” o en la famosa escena de la habitación de hotel de la primera “Pantera rosa”.

En cuanto a los personajes destacar especialmente a la novia come-hombres que tratará por todos los medios de recuperar a ese marido asustado que se esconde de ella y a la joven amiga de la novia, la protagonista real de la historia, que se verá incluida en esa espiral de sentimientos encontrados, miedo, dudas y, sobre todo, una lucha contra la ética o moral plastificada y artificial de la sociedad de la época.

Resumen:

Increíble orgasmo visual claro representante del cine más experimental. Una película donde la trama no es la protagonista dejando a los colores, las formas y los movimientos como verdaderos narradores.

Melchian

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