Comedia


Cuatro bodas y un funeral

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En el verano de 1994 se produjo un hecho un tanto insólito: una película de producción inglesa se coronaba como la comedia romántica del año conquistando los corazones (y la cartera) de los grandes EEUU. “Cuatro bodas y un funeral” conseguía adjudicarse casi 250 millones de dólares a nivel mundial compitiendo con otras comedias como “La máscara” y con dramas como “Forrest Gump”. No sé si el hecho de su éxito estuvo influido por la falta de comedias románticas en ese año pero alcanzó cotas de popularidad muy altas.

Este largometraje nos presentaba a un elenco de actores de calidad creciente y una historia conducida de forma original. El título de la película es un fiel reflejo del desarrollo de la trama ya que las situaciones que la componen se reparten entre los 5 acontecimientos que se nombran en el mismo. Aun así el hilo conductor de la película se antoja genérico, a saber: Chico se enamora de chica al primer vistazo, chica abandona chico, chica se promete, chico se declara, a la chica le da igual, chica se casa, chico se deprime, chica se separa, chica no dice nada al chico, chico se promete, chica va a la boda para hacerla más agradable al chico, chico abandona a su prometida en el altar, chico y chica acaban juntos.

La pareja protagonista, encarnada por Hugh Grant y  Andie Macdowell, no puede parecer más convencional. Charles representa todos los tics y características que forman los personajes de Hugh Grant a lo largo de su carrera haciendo que todas sus películas parezcan formar la tortuosa vida de un único individuo tímido y tartamudo que se ha casado y le han abandonado mil veces. A Andie Macdowell, sin embargo, no le dan casi tiempo a desarrollar su personaje entre las escenas de sexo que protagoniza y los planos de su nuca.

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Plano común de Andie Macdowell en toda la película

Y es que se crea una pareja central tan cliché que la película te pide a gritos que te centres en el gran conjunto de actores y personajes secundarios que revolotean alrededor de los protagonistas esgrimiendo unas historias que se antojan más interesantes que la trama principal. Una de las constantes de la película es ver a Grant sumido en un pozo de desdicha y preocupación por que no puede encontrar a una mujer para casarse con ella. El ambiente de melancolía es tal que resulta un tanto exagerado al compararlo con las desdichas de sus compañeros de viaje. Entre ellos tenemos a Simon Callow y John Hannah, en dos actuaciones muy memorables, encarnando a una pareja de homosexuales que viven en la clandestinidad (incluso de sus propios amigos) que se destapa al final de la película con la muerte de uno de ellos; Kristin Scott Thomas encarna a la mejor amiga del protagonista, sarcástica y pesimista, pasa toda la película metiéndose con todo el mundo para desvelarnos al final de la misma que lleva enamorada en secreto de Hugh Grant desde que lo conoció y que ha decidido que la vida es una mierda; James Fleet forma un personaje estúpido que ya no busca el amor sino a alguien que le soporte, cuando por fin siente ese flechazo mutuo es en relación a una pariente suya. Estos factores crean un sentimiento de simpatía hacia las desdichas de los personajes secundarios y una desidia hacia lo que le pase a la pareja principal de una forma continua y en crescendo a lo largo de la película.

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– Qué misería de vida la mia…

Otra característica constante a lo largo de todo el metraje es la alusión al fenómeno de la boda como el éxito final en la vida de todos y cada uno de los personajes que desfilan en la película. Incluso, en una de sus últimas líneas, Simon Callow dice lo siguiente, tras hacer una alegoría hacía el amor único:

  • Esta noche, estas son vuestras órdenes: Salgan ahí y relaciónense. Encuentren maridos y esposas.

Esta frase resume el objetivo último que plasma la película en cada uno de sus fotogramas. Crea un monumento ficticio y vacío en honor al matrimonio con el único objetivo de poder derruirlo al final.

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– ¡Viva el amol! ¡Y los bodorrios!

Independientemente de lo dicho son los detalles los que hacen sobrevivir a esta producción, los toques cómicos de un Grant tópico, la camaradería que se percibe entre el grupo variopinto de amigos y sobre todo esos personajes secundarios, destacando por encima de todos a Rowan Atkinson en el papel de sacerdote primerizo. Factores que hacen que al final la película te entretenga y te frustre a partes iguales al darte cuenta que, al final,  nunca vas a saber cómo acaban las decenas de historias que si te importan.

Resumen:

Largometraje tópico y típico salvado por los pequeños detalles y ese elenco de actores secundarios que crean historias paralelas que roban el protagonismo a la pareja principal.

Melchian

 

The cabin in the woods

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La carencia de originalidad en el cine actual es un hecho casi irrefutable. Mientras que los grandes estudios de Hollywood apuestan por los famosos remakes innecesarios, precuelas de películas de hace más de 20 años y secuelas octogenarias los fans se han cansado ya de revindicar ese concepto de originalidad que parece tan desligado de la industria del séptimo arte.

Pero como en todo esta premisa apocalíptica no es universal. Aún quedan pequeños directores que impresionan con borradores a los grandes productores y, de vez en cuando, sale a la palestra un largometraje que insufla un poco de aire fresco.

En el 2011 la MGM produjo la idea de un joven director que ha llegado a convertirse en una película de culto en tan solo dos años y medio. Estamos hablando “The cabin in the woods”.

La sinopsis oficial nos la vende como un típico slasher rural, una cabaña abandonada en el bosque, un grupo de adolescentes y “algo” que empieza a matarlos. Y es que este largometraje no es más que una sucesión de clichés y tópicos de terror con el único objetivo de satirizar un género que lleva estancado demasiado tiempo.

Los amantes de estas películas encontrarán homenajes a grandes clásicos que nos intentan vender como exigencias del guion. De esta forma se desarrolla una trama que mezcla un gore ligerillo, terror, mucho humor negro y surrealismo apocalíptico. ¿Qué más se puede pedir?

Los puntos fuertes de esta película se centran principalmente en tres facetas:

–          La deformación de una trama, que en un principio parecía de lo más tradicional, hasta convertirse en una sucesión de giros, sorpresas y eventos que bien podrían protagonizar una película surrealista de los años 70. No voy a entrar en detalles para no destriparos la película.

–          El segundo pilar es la innumerable lista de homenajes al cine de terror clásico y moderno. Desde la casa, pasando por el guion, los personajes etc, etc… Lo más interesantes de esto es que  al final te preguntas si son verdaderos homenajes o una sátira más de la degeneración de género actual o, incluso, una necesidad real del guion para el desarrollo de la inusual trama.

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La cabaña de “Evil dead 2”

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La cabaña de “The cabin in the woods”

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La caja redonda de “Hellraiser”

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Un “Hellraiser” con su cajita

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Versión diario del Necronomicon con frase en latín incluida.

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Espiritu japo con mala ostia… ¿Samara?

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Si, no me he equivocado de captura… “Los extraños”

–          Y el tercer y último es un humor negro vasto, crudo e irónico que arranca carcajadas esporádicas que se mezclan con planos de desmembramientos y puros ríos de sangre.

El colofón final es ese cierre del telón magistral que corta la trama justo donde la tiene que cortar y que te deja con unas ganas increíbles de rebobinar (o volverle a dar al play) para disfrutar de nuevo de esa más de hora y media de aire fresco que, irónicamente, exprime los grandes clásicos con afán de innovación. Industria hollywoodiense, tomad nota.

Resumen:

Impresionante y sarcástica obra reivindicadora de originalidad que, irónicamente, se basa en los grandes clásicos del género del terror para crear una trama completamente original. Una película de culto echa a base de obras de culto.

Melchian

Ciclo cine friki: Vicious lips

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En la década de los ochenta el alcohol, el heavy, el glam, el maquillaje, las drogas y las pelucas hicieron mella en más de un energúmeno que se las daba de director de cine creando películas “direct to video” de lo más interesantes. Algunas de ellas han sobrevivido hasta nuestros días para hacer las delicias de un grupo muy reducido de personas.

En este tipo de películas son varias las consideraciones a tener en cuenta pero una las resume todas a la perfección: “Todo vale”. Da igual lo que esté pasando en una escena, en la siguiente puede suceder todo lo contrario. Desde zombies rockeros a vampiros grupies pasando por naves espaciales y atomizadores. Bienvenidos al mundo de las películas frikis.

Uno de los exponentes menos reconocidos de este género es un título sugerente nacido en 1986. “Vicious lips”, o como se le conoce por estos lares “El planeta del placer”, no es una película erótica como deja entrever su título sino que forma un conjunto de ciencia ficción-musical-terror bastante extraño.

El argumento se sitúa en un hipotético futuro en el que el espacio está más que colonizado y la civilización ha experimentado una transformación espectacular reduciendo a todos los humanos a camioneros interestelares gordos con barba, prostitutas glam y managers sin escrúpulos. En este escenario aparece una banda de rock descafeinado que acaba de perder su cantante y para sustituirla se agencia a una niñita celestial de un instituto. El drama comienza cuando la vixen más dominante de la galaxia les ofrece una oportunidad para triunfar y deben viajar hasta “el sueño”, que está en la otra punta de la galaxia, en tiempo record.

El desarrollo de la película recuerda a otras producciones similares como “Gira sangrienta”, “Hard rock zombies”, “Black roses” o “Rock ‘n’ roll nightmare”, plagado de extraterrestres con prótesis dentales, guitarras fluorescentes de tres cuerdas, efectos láseres, maquetas espaciales y sobre todo mucho humo. Y es que a este último factor se le podría considerar como un actor más ya que está presente en todas las escenas de la película, da igual que estén en un planeta desértico gigante, que en un camerino o un callejón, el humo lo inunda todo.

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Guitarras fluorescentes tocadas con arte

Mención a parte se merecen las protagonistas que lucen peinados glam que cambian cada minuto gracias al gran surtido de pelucas con las que vienen incorporadas de serie. Esto sumado al fútil pero divertido intento que tiene el guion de ahondar en la compleja psique de cada una de ellas hace que se conviertan automáticamente en el mejor cuarteto protagonista de las películas frikis de la historia.

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La banda protagonista al completo

Por muy desfasadas e independientes que sean las mujercillas de marras se les ponen las cosas difíciles un par de veces gracias al gran repertorio de enemigos que consiguen reunir a lo largo de la muy escasa hora y media que dura la película. Comenzando con los mirones que las espían en su camerino (a los cuales sacan los ojos), siguiendo con el asesino múltiple con más de 5.000 mujeres destrozadas en su cuenta personal, pasando por los “zombies caníbales punks” que las persiguen sin descanso y terminando con las dos succubos devora hombres que intentan darse una meriendilla con el manager. Todos ellos hacen que no te aburas demasiado excepto en los casi 20 minutos de charla inconsistente que mantienen las integrantes del grupo demostrando que su estupidez es más que considerable.

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Zombies canibales punks everywhere

Al final, y tras haberte divertido de lo lindo, los sucesos surrealista e imposibles hacen que la película no pueda continuar lógicamente por lo que el director se saca un recurso aún más surrealista y, sobretodo, más inexplicable de la chistera convirtiendo al conjunto en una muestra de cine friki con todas las de la ley.

No olvidar la pegadiza canción que cierra la película y la liga con los títulos de crédito:

 

Resumen:

Coctelera de géneros con tópicos de todas y cada una de las películas de terror y ciencia ficción del haber cinematográfico. Drogas, láseres, pelucas, maquillajes y rock adolescente para echarse unas risas.

Melchian

Habfürdö (Foam bath)

La animación es un género ampliamente explotado en el pasado y que esta resurgiendo de la mano de las últimas aplicaciones tecnológicas a la industria del cine. Uno de los países que más está participando en este remonte del mundo animado es Hungría. Históricamente vienen a la mente nombres como el de  Marcell Jankovics, director de varios largos, cortos y un par de series animadas, la mayor parte producidas por el gobierno húngaro. Pero hay que remontarse a 1980 para conocer la obra magna de un director invisible, György Kovásznai.

Habfürdö”, “Foam bath” o “Espuma de baño” son las formas con las que se conoce esta película. Relata la historia de un hombre que, ante su inminente boda, decide escapar presa del terror y las dudas. Este puede ser un argumento engañoso, ya que la verdadera protagonista del largometraje es una mujer joven, culta que se verá implicada en la trama.

Habfürdö” reúne ochenta minutos de animación surrealista, experimental, donde las formas, contornos y colores no son estáticos sino que varían con cada movimiento de la cámara, con los sentimientos de los personajes, con la tensión del momento, otorgando una vibración, un contoneo continuo durante toda la película que hace que se convierta en una especie de baile infinito.

Este dibujo tan surrealista parece adelantado a su época, e incluso, en la década actual sería difícil encontrar una obra semejante. Los colores son apagados en la mayor parte del film centrándose en los ocres, blancos, grises, lilas y verdes dejando para los momentos más intensos las tonalidades brillantes con azules eléctricos, efectos de niebla multicolor o desdoblamientos de la imagen. En conjunto crea una sensación efectista, extraña y en algunos casos cautivadora.

Y es que el trabajo experimental de György Kovásznai no se limita únicamente al uso de colores y el trastoque de la realidad sino que en este mismo largometraje podemos encontrar varias técnicas de animación como el coloreado y el collage, o las trasparencias y el perfilado, todo ello mezclado con canciones que dotan a la película del título de musical experimental.

Con todas estas maravillas visuales el espectador tiene que hacer un acopio enorme de concentración para intentar seguir el hilo principal de la historia, el cual se paraliza, desdobla y desaparece en los momentos más inesperados. El argumento puede recordar a esas películas “de lios” de los años 50 y 60 protagonizadas por Jack Lemmon, Katharine Hepburn o Cary Grant, donde un pobre y sencillo personaje se ve envuelto en una trama ajena. De esta forma se presentan situaciones y escenas cómicas inspiradas en “El apartamento” o en la famosa escena de la habitación de hotel de la primera “Pantera rosa”.

En cuanto a los personajes destacar especialmente a la novia come-hombres que tratará por todos los medios de recuperar a ese marido asustado que se esconde de ella y a la joven amiga de la novia, la protagonista real de la historia, que se verá incluida en esa espiral de sentimientos encontrados, miedo, dudas y, sobre todo, una lucha contra la ética o moral plastificada y artificial de la sociedad de la época.

Resumen:

Increíble orgasmo visual claro representante del cine más experimental. Una película donde la trama no es la protagonista dejando a los colores, las formas y los movimientos como verdaderos narradores.

Melchian

Ciclo cine friki: Vampira (Old Dracula)

Año 1975, Transilvania, castillo del conde Drácula, sala de estar. Una fina copa de cristal mece suavemente el sabroso líquido rojo. Un sorbo. La luz de las velas baña la estancia con una tenue luz.

–          Señor Drácula, ya he arreglado el generador. ¿Doy las luces?

–          Si por Dios. Con estas velas no se puede ver nada.

Este el primer dialogo que escuchamos en esta singular “parodia” del clásico mito de Drácula titulada en España “Vampira”. Con solo echar un rápido vistazo al argumento se hace fácil ver el porqué de encontrarnos ante una de las películas más frikis de la historia del cine:

El conde Drácula recibirá en su castillo turístico a una pequeña reunión de conejitas Playboy en busca del grupo sanguíneo concreto (000) para resucitar a su amada que lleva 50 años muerta.

Dentro de lo que cabe no es una sinopsis tan disparatada, pero tras ver que la mezcla de sangre que le devuelve la vida a la condesa hace que su piel se tiña de un color más negro que el ébano cambiamos de opinión rapidísimamente.

Y es que está película nació de la exitosa “El jovencito Frankenstein” tal y como nos muestra su título original “Old Dracula” con ese juego de palabras no tan ingenioso y, por lo tanto, intenta seguir esa línea paródica que tan buen resultado dio a la anterior. A parte del mencionado dialogo de las velas, que ya nos enseña por donde va a ir la película, tenemos infinidad de situaciones un tanto vergonzantes como la de la condesa negra bailando al estilo disco o la escena del avión. El resto de la película esta plagada de gags un tanto cutres y sin sentido que la convierten en la hora y media más hilarante del cine. Desde control telepático, palizas a ladrones, conversiones en murciélagos, sexo, infinitos guiños a la mitología de los vampiros, colmillos-jeringuillas  y un mayordomo cachondo.

Aunque parezca increíble, el argumento se vuelve cada vez más inverosímil desembocando en un final apoteósico. Tras perseguir a las conejitas durante varios días por el Londres moderno, Drácula consigue obtener la sangre que devolverá a la condesa a su estado original aunque esta no este muy por la labor. El único problema es que cuando se esta realizando la transfusión esta muerde a Drácula que queda convertido en el segundo Drácula negro de la historia del cine. Al final acaban escapando de una muerte segura gracias a esta condición y ponen rumbo a Transilvania, o a Rio de Janeiro como muy bien ofrece el mayordomo.

La verdad es que es una película que deja sin palabras, demasiado absurda y surrealista como para que nadie la tome en serio. Si a esto le sumas unas actuaciones deplorables, salvando la de Drácula y su mayordomo, un ritmo inexistente y un decorado tipo cartón piedra se convierte en un muy mal viaje.

Resumen:

Chistes malos, argumento surrealista, diálogos absurdos y mucha, mucha vergüenza. Se tiene que ver aunque sea solo por la presencia de ese Drácula negro de betún.

Melchian

 

Las peores películas de la historia: The Jitters

A lo largo de la historia del cine se nos ha presentado diferentes variables dentro del arquetipo vampírico. Desde el conde Drácula, romántico, con su capa negra y roja de cuello alto, el terror de las nenas; vampiros modernos al estilo niños malos como los representados en “Jóvenes ocultos”; vampiros zombificados como los de “El último hombre vivo” y sus repetidos remakes; evolucionados y mutados como los de “Blade”… y así un largo etcétera.  Pero en 1989 una pequeña producción estadounidense rompió el molde.

The Jitters” es la inclusión en el cine palomitero de una versión china del clásico de los vampiros. Empecemos…

El argumento es de lo más original. Un abuelo chino llamado Frank (todo el mundo sabe que los abuelos chinos se llaman Frank) regenta junto con su sobrina una tienda de regalos chinos en Chinatown ¿tópico, que es eso?.  La sobrina del susodicho esta saliendo con un tipo de negocios del centro, urbanita a más no poder. El problema viene cuando una banda zarrapastrosa de maleantes ataca la tienda y mata al abuelo convirtiéndolo en un vampiro asiático con muy mala leche.

Ese es el desencadenante de una tremebunda cantidad de gags sin sentido, chorradas infinitas y diálogos absurdos. Para empezar hay que introducir a lo que en esta “película” llaman “Giong shi”, el vampiro de turno. Se supone que cuando algún chino muere por causas no naturales, es decir, por el mal (léase con voz tenebrosa), se vuelve azul, le salen orejas puntiagudas, colmillos, sufre de ciática y le da por vestir un ridículo traje tradicional. Me explico. Estos seres no saben andar, se trasladan dando pequeños saltitos siempre en una posición. Juntas las piernas, doblan las rodillas, alzan los brazos cual Boris Karloff y van dando saltitos cual conejitos. El traje consiste en una túnica negra con letras chinas, un sombrero con ponpon, un faldón blanco y una pluma de metro y medio toda desgastada que les sale del gorro. Vamos, verlos en solitario traumatiza, pero cuando se juntan son todo un espectáculo.

Ni el ajo, ni los crucifijos, ni la luz del día y, por supuesto, la cruz y el agua bendita les hace algo. Estos vampiros asiáticos solo pueden controlarse por métodos cuanto menos curiosos. Guía para matar un Guiong shi:

–          Deja de respirar. Eso les confunde. Empiezan a dar vueltas completamente aturdidos.

–          Sopla a través de una caña. Si, de esas junqueras que encuentras en la rivera de los ríos.

–          Utiliza un espejo. No los golpees con el, no, eso no es efectivo. Limítate a enfocarlos como si fueran hormigas bajo una lupa gigante. Eso les hace daño, empiezan a supurar y pasados unos 30 segundos se transforman en un ser más poderoso, con exoesqueleto y una lengua un tanto serpentina. Pero no os preocupéis, seguir enfocándoles y se derretirán.

–          Este es mi favorito. Pegarles una especie de etiqueta de papel amarillo con unas letras chinas en la frente. Eso les paraliza.

Una vez que ya sabemos que tenemos entre manos y como destruirlos nos centraremos en la película. Básicamente no hay más. Bueno si, se inventan muchas tramas secundarias a las que no prestas la mínima atención, ya que la tensión a la que estas sometido vigilando cada uno de los saltos de esos vampiros es demasiado intensa. A parte de los chupocteros malvados hay una especie de banda super mafiosa y agresiva formada por seis panolis, el jefe, la tía buenorra y cuatro descerebrados. Entre todos montan un sarao de no te menees con rehenes, dinero, pistolas, emboscadas, magia y muchos, muchos saltos vampíricos.

Cuando llega el final y tras haber estado toda la película siguiendo la pista a los vampiros, viendo como mataban gente y no paraban de saltar, y de repente llega el chino medio mago tipo “guru” y saca una especie de bastón con campanilla y dice:

–          ¿Nunca te he hablado del carillón de la muerte?

Al urbanita se le queda una cara de… espera einh! Y no es para menos, ya que el supuesto “Carillón de la muerte” es un palo con una campanilla que puede controlar los vampiros. Exacto, lo tienen toda la película, pero solo se les ocurre usarlo al final. Oh! y deberíamos estar agradecidos, si lo hubieran usado al principio no habríamos podido disfrutar de una hora de saltos y más saltos.

En fin, las actuaciones son deplorables, la historia es vergonzosa, el maquillaje y efectos especiales son de rastrillo… “The Jitters”, bienvenida a la lista de las películas más malas de la historia.

Resumen:

Si Bram Stoker levantara la cabeza…

Melchian

The artist

En los años 20, la unión de la popularización del cine junto con la necesidad de evasión por parte de la población para intentar inhibirse de la incipiente crisis económica, convierte el entretenimiento cinematográfico en un pasatiempo bullente. Es en esa época donde un nuevo universo, en blanco y negro y carente de sonidos, embelesa a los nuevos cinéfilos.

Ahora, en pleno 2012, donde la hegemonía de Hollywood es casi universal, donde las ideas originales que planteen películas impredecibles parecen no tener lugar, un mundo en el que los efectos especiales, la automatización, los ordenadores, el 3D, las nuevas tecnologías en imagen y sonido son el pan de cada día… ha sido Europa la que ha brindado cierta luz. Y no deja de ser irónico que ese atisbo de cine diferente, en cierto modo original, se plantee en un formato obsoleto, de hace casi un siglo.

The artist” se presenta como una de las piezas imprescindibles de los últimos años. George Valentin, un afamado actor mudo vive en sus propias carnes como la llegada del sonido a la industria cinematográfica lo relega al olvido. Esta pequeña premisa que ya ha sido explotada antes en numerosas producciones, como en la famosa “El crepúsculo de los dioses”, sirve de encabezado y flujo de una de las mejores películas del panorama fílmico actual.

Esta producción se presenta en blanco y negro, además de prescindir del sonido en la mayoría del metraje. ¿Qué queda en una película cuando se prescinde del color, de las explosiones, del sonido, de las voces de los actores, de la espectacularidad visual? Los actores. Esas personas que a menudo son los protagonistas olvidados de las películas vuelven a retomar su papel imprescindible. Ellos son los que sustentan la película.

Jean Dujardin, interpretando a Valentin, brilla con luz propia. Cada gesto, cada “mueca” crea un personaje real. Parece que haya sido arrancado de uno de los fotogramas de una película olvidada de hace 80 años. Sus gestos denotan el carisma necesario en el primer tercio de la película creando un personaje afable e incluso algo engreído. Es el prototipo de estrella Hollywoodiense.  En cambio, conforme pasan los minutos se puede percibir un cambio gradual en su actuación. Se acomoda al ritmo de la película ofreciendo lo que su papel le exige en cada minuto. Podemos encontrar un personaje alegre, que te arranca un par de sonrisas para luego transformarse en un ser acabado, orgulloso, detestable.

Bérénice Bejo en cambio realiza un trabajo pasable, no destaca. Quizás por que el protagonismo recae casi al cien por cien en su compañero. Parece que los acontecimientos pasen a su alrededor sin que ella los busque. Simplemente esta. También tienen su pequeño papel grandes de la pantalla como John Goodman, Malcolm McDowell o James Cromwell.

Dejando a un lado la parte más personal nos encontramos con una película plagada de metáforas, imágenes, guiños. La factura técnica es muy buena y la fotografía destaca por encima de lo demás. Hay un momento en el que se ve a Valentin sentado en un sillón quemado, rodeado de su vida destrozada, uno de los momentos cumbres de la película y el que más transmite al espectador. Pena, reproche, culpa, nostalgia, cansancio, pérdida. Increíble.

El sonido, o la ausencia de él, se transforman en un personaje más en esta película. El metraje esta acompañado por una banda sonora orquestal que ayuda a ambientar de una forma muy efectista. Sin embargo existen momentos en los que la música deja de sonar, quedando la película completamente en silencio, pero, la acción sigue su curso. Es en esos momentos en los que aguantas la respiración como si algo terrible fuera a pasar y te das cuenta de lo expresivo que es el silencio. Magistrales son también los dos momentos concretos en los que el sonido hace acto de presencia. Lástima el final.

Una película increíble que devuelve al público la posibilidad de disfrutar de los actores, personajes desnudos sin explosiones, efectos ni artificios. Cine en estado puro. Por una vez, la academia ha acertado.

Y no os preocupéis por si al terminar la película vuestros pies se mueven con cierto ritmo, es normal:

Resumen:

Cita de obligado cumplimiento para todo amante del séptimo arte. Sentimientos expresados únicamente con el arte de la actuación, cine desnudo. Una obra de arte.

Melchian

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