¿La mejor película de Batman?

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A cualquier persona que le hagas la pregunta que menciona el título de la entrada tardaría dos milésimas de segundo en responder, casi de forma automática, o bien “El caballero oscuro” de Nolan o “Batman” de Burton. Es cierto que puede haber opiniones que varían y recorran la filmografía del caballero oscuro por completo pasando por “Batman begins”, “Batman returns” e incluso por la dilogía de Schumacher (hay gustos para todo). Lo que muy pocas personas incluirán en este debate es la gran colección de películas animadas existentes protagonizadas por este oscuro personaje.

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Batman en su máximo esplendor

El conocimiento del Batman animado se concentra en la serie de los 90 o en alguna de sus recientes conversiones, como las dos partes de “El regreso del caballero oscuro”, muy recomendables todas. Pero, es una producción de 1993 que pasa desapercibida para la gran mayoría de las personas. “Batman: La máscara del fantasma” es un película que se mueve dentro del mismo universo que la serie animada de Batman de los 90 salvo contando con un presupuesto mucho mayor que hizo que se estrenara en los cines de la época.

La trama nos cuenta la historia de un misterioso personaje (el fantasma) que asesina uno a uno a los mayores criminales mafiosos de Gotham y, debido a su indumentaria, es confundido con el murciélago. Esta primera historia va ramificándose y desarrollando diferentes acontecimientos que nos embarcan en un viaje en el que descubriremos más sobre Bruce Wayne, su psicología y motivación que en todas las películas que ha encarnado este personaje.

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El no Batman

El punto fuerte de esta producción es la ambientación gótica que tan bien supo plasmar Burton en su primera película y que se ha ido perdiendo en la saga de Nolan. La animación, como he explicado en más de una ocasión en este blog, es una increíble herramienta que permite crear mundos que serían imposibles en otro tipo de películas. Los juegos de luces y sombras que nos presentan en este largometraje beben directamente de la serie animada original y los elevan a cotas que rozan casi la perfección.

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Este ambiente creado por el dibujado a mano de los escenarios y personajes lo culmina una banda sonora muy buena y un doblaje increíble en el que se incluye, con permiso de Nicholson y Ledger, el mejor Joker de la historia, ni más ni menos que Mark Hamill. Tras colgar el sable de luz con el fin de la primera trilogía de Star Wars, la carrera de Hamill se ha centrado en el doblaje de diversos personajes animados entre los que se encuentra este Joker que borda de manera magistral. Tal es el aprecio de este doblaje que la Warner y DC lo han incluido en la siguiente película de animación “La broma asesina” que tanta expectación ha causado.

Todo esto crea una ambientación genuina que se diferencia de la falta de ambiente gótico de las películas de Nolan y el casi ortopédico dinamismo de Batman en las de Burton añadiendo un estilo Neo-noir, que ya existía en la serie animada, haciendo casi imposible el no imbuirte en el mundo oscuro de Gotham.

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La elección del heroe

El pináculo de esta obra lo culmina las escenas finales en las que uno de los últimos mafiosos acude al Joker para que le proteja de Batman, aunque en realidad lo está persiguiendo el fantasma, comenzando una de las escenas que se me ha quedado grabada en la memoria desde que la vi con seis años. Esta etapa final se desarrolla en un parque de atracciones en el que tiene asentada su guarida el Joker y en el que Bruce Wayne conoció a su amor, que casí hizo que tirara la capucha de Batman. La lucha con el Joker aúna unas cotas de acción bastante potentes, notas cómicas con un Joker que se sale del gráfico y un drama romántico de trasfondo que le da un final épico a la película.

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El comienzo de la locura

Tras lo dicho no puedo afirmar que “Batman: La máscara del fantasma” sea la mejor película del caballero oscuro hasta la fecha debido a los grandes competidores que presenta, pero sí que tiene el derecho a estar entre las más grandes.

Resumen:

Una película magistral que recoge lo mejor de la serie animada de los 90 y lo perfecciona con una ambientación impresionante y unos actores de doblaje de lujo que hace que no tenga que envidiar nada a las producciones de Nolan y Burton. Verla en V.o.

Melchian

Las peores películas de la historia: “Robo vampire”

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Como no podía ser de otra manera volvemos con nuestro gran compañero Ho, Godfrey Ho, el cual, va a ser un invitado especial en numerosas ocasiones por estas páginas virtuales. Y es que no podía ser de otra manera, unos meses después de terminar el rodaje de “Thunder of gigantic serpent”, y descansar un par de horas, nuestro director favorito volvió a la carga con otra maravilla fílmica: “Robo vampire”.

La “trama” se forma de la siguiente manera: Unos americanos malotes quieren traficar droga y protegerla de la policía china por lo que optan por la opción más sencilla, contratan a un chamán chino para que cree vampiros y así poder utilizarlos para transportar la droga. En respuesta los científicos crean un robot a partir de un militar americano muerto por los vampiros para que acabe con la amenaza. El problema viene cuando esta premisa se acaba a los 5 minutos de metraje por lo que Ho tiene que llenar los 85 restantes con subtramas sin ningún tipo de sentido. Entre ellas nos encontramos la historia de amor entre una bruja/fantasma china, encarnada por una actriz estadounidense, y un vampiro con cara de mono. El amor entre ellos es tan profundo que convencen al chaman de turno para que los case salvando su vida en más de una ocasión, debido a que los vampiros y el robot tienen un sentido de amor platónico muy desarrollado.

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Amor a primera vista

Otra de las subtramas que desearas que no exista es la del secuestro de una monja (¿) china por los malotes que ayudan a los de la droga… convirtiéndose en el hilo conductor una vez que te cansas de ver pelear a los vampiros y robots.

Cuando consigues abstraerte de las historias inconexas y sin sentido que te presenta la cinta intentas centrarte en otros aspectos de la película en los que buscas cierto alivio visual encontrándote con las dos criaturas protagonistas.

Las leyendas cuentan que alguna vez se hizo una película sobre vampiros chinos que no diera vergüenza ajena y este es un punto donde debemos exculpar al pobre Godfrey, por que los vampiros mitológicos de origen asiático son un tanto esperpénticos. Ahora os voy a redireccionar a la crítica de este mismo ciclo “Las peores películas de la historia: The jitters” para que veáis de que estoy hablando. Se repiten los mismos tópicos vampíricos:

  • Los vampiros siguen desplazándose a saltitos en una posición un tanto agarrotada (brazos estirados hacia adelante, palmas hacia abajo y pies juntos).
  • Siguen abundando los talismanes paralizantes en forma de papeles con letras chinas, los cuales llevan un adhesivo especial que hace que se peguen y despeguen en situaciones comprometedoras.

Aun así, el gran Ho, añadió unos cuantos elementos para darle originalidad a su obra maestra:

  • Los vampiros no chupan sangre, comen carne, una única vez en toda la película.
  • Tienen un vínculo especial con la droga X (polvo blanco del que no se específica su origen) y se cabrean cuando les timan sustituyendo la droga por harina de arroz.
  • Dependiendo de complejas características genéticas implícitas en el material ribonucleico de la mitocondria derecha de la célula del lóbulo de la oreja izquierda de cada espécimen mutan de forma diferente. A saber, vampiro con pústulas por toda la cara, vampiro con familia de gusanos en fosas nasales, vampiro con cara de King Kong, vampiro modelo de belleza…
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Además, nuestro amado chamán chino ha conseguido mejorar tecnológicamente a los vampiros. El nuevo modelo de criaturas de la noche lleva incorporado ciertos gadchets que les convierten en armas de destrucción masiva, desde cohetes (petardos) en las mangas, pasando por vapor comprimido en manos y boca (extintores) y lanzallamas que se basa en la misma tecnología que los sopletes utilizados para construir al robot (bengalas).

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¡Por el poder de Grayskull!

Y así, como por arte de magia, llegamos a la parte donde se crea al antagonista de los vampiros, una suerte de robocop último modelo (tal y como se puede ver en el cartel de la película) al que le patean el culo más de una vez debido a su insistencia por matar a los vampiros a base de balas. La explicación que monta la película para intentar dar un sentido a la ineficacia de este androide es simple, tiene el corazón roto por que su novia lo dejó hace escasas semanas y su nuevo estómago metálico no le permite atiborrarse de helado y chocolate.

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Antes

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Después

La excitación llega a cotas desbordantes cuando la pelea final se desarrolla no entre el super capo de la droga y el robot asesino, como sería lógico, sino entre la bruja/fantasma china/americana y el chamán crea vampiros. Manteniendo como premisa que se han enfrentado con anterioridad en dos ocasiones en las que la bruja le ha pateado el culo al chino convenciéndolo para que la uniera en santo matrimonio con un vampiro, el espectador no guarda mucha expectación en este combate. La bruja vuelve a patear el culo al malo crea vampiros, los monstruos desaparecen y todos viven felices.

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Electrocardiograma de tecnología punta oiga.

Esta es una película que toma la excusa del transporte de drogas para crear vampiros que, en definitiva, no transportan drogas que a su vez sirve de excusa para que unos científicos creen un robot mata-vampiros que, en definitiva, no mata vampiros con el máximo objetivo de entretener al espectador que, en definitiva, no entretiene ni al propio Godfrey.

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¡Viva la interpretación!

Resumen:

Peor que “Thunder of gigantic serpent” en todos los niveles. Ed Wood debe de estar removiéndose en su tumba.

Melchian

Cuatro bodas y un funeral

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En el verano de 1994 se produjo un hecho un tanto insólito: una película de producción inglesa se coronaba como la comedia romántica del año conquistando los corazones (y la cartera) de los grandes EEUU. “Cuatro bodas y un funeral” conseguía adjudicarse casi 250 millones de dólares a nivel mundial compitiendo con otras comedias como “La máscara” y con dramas como “Forrest Gump”. No sé si el hecho de su éxito estuvo influido por la falta de comedias románticas en ese año pero alcanzó cotas de popularidad muy altas.

Este largometraje nos presentaba a un elenco de actores de calidad creciente y una historia conducida de forma original. El título de la película es un fiel reflejo del desarrollo de la trama ya que las situaciones que la componen se reparten entre los 5 acontecimientos que se nombran en el mismo. Aun así el hilo conductor de la película se antoja genérico, a saber: Chico se enamora de chica al primer vistazo, chica abandona chico, chica se promete, chico se declara, a la chica le da igual, chica se casa, chico se deprime, chica se separa, chica no dice nada al chico, chico se promete, chica va a la boda para hacerla más agradable al chico, chico abandona a su prometida en el altar, chico y chica acaban juntos.

La pareja protagonista, encarnada por Hugh Grant y  Andie Macdowell, no puede parecer más convencional. Charles representa todos los tics y características que forman los personajes de Hugh Grant a lo largo de su carrera haciendo que todas sus películas parezcan formar la tortuosa vida de un único individuo tímido y tartamudo que se ha casado y le han abandonado mil veces. A Andie Macdowell, sin embargo, no le dan casi tiempo a desarrollar su personaje entre las escenas de sexo que protagoniza y los planos de su nuca.

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Plano común de Andie Macdowell en toda la película

Y es que se crea una pareja central tan cliché que la película te pide a gritos que te centres en el gran conjunto de actores y personajes secundarios que revolotean alrededor de los protagonistas esgrimiendo unas historias que se antojan más interesantes que la trama principal. Una de las constantes de la película es ver a Grant sumido en un pozo de desdicha y preocupación por que no puede encontrar a una mujer para casarse con ella. El ambiente de melancolía es tal que resulta un tanto exagerado al compararlo con las desdichas de sus compañeros de viaje. Entre ellos tenemos a Simon Callow y John Hannah, en dos actuaciones muy memorables, encarnando a una pareja de homosexuales que viven en la clandestinidad (incluso de sus propios amigos) que se destapa al final de la película con la muerte de uno de ellos; Kristin Scott Thomas encarna a la mejor amiga del protagonista, sarcástica y pesimista, pasa toda la película metiéndose con todo el mundo para desvelarnos al final de la misma que lleva enamorada en secreto de Hugh Grant desde que lo conoció y que ha decidido que la vida es una mierda; James Fleet forma un personaje estúpido que ya no busca el amor sino a alguien que le soporte, cuando por fin siente ese flechazo mutuo es en relación a una pariente suya. Estos factores crean un sentimiento de simpatía hacia las desdichas de los personajes secundarios y una desidia hacia lo que le pase a la pareja principal de una forma continua y en crescendo a lo largo de la película.

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– Qué misería de vida la mia…

Otra característica constante a lo largo de todo el metraje es la alusión al fenómeno de la boda como el éxito final en la vida de todos y cada uno de los personajes que desfilan en la película. Incluso, en una de sus últimas líneas, Simon Callow dice lo siguiente, tras hacer una alegoría hacía el amor único:

  • Esta noche, estas son vuestras órdenes: Salgan ahí y relaciónense. Encuentren maridos y esposas.

Esta frase resume el objetivo último que plasma la película en cada uno de sus fotogramas. Crea un monumento ficticio y vacío en honor al matrimonio con el único objetivo de poder derruirlo al final.

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– ¡Viva el amol! ¡Y los bodorrios!

Independientemente de lo dicho son los detalles los que hacen sobrevivir a esta producción, los toques cómicos de un Grant tópico, la camaradería que se percibe entre el grupo variopinto de amigos y sobre todo esos personajes secundarios, destacando por encima de todos a Rowan Atkinson en el papel de sacerdote primerizo. Factores que hacen que al final la película te entretenga y te frustre a partes iguales al darte cuenta que, al final,  nunca vas a saber cómo acaban las decenas de historias que si te importan.

Resumen:

Largometraje tópico y típico salvado por los pequeños detalles y ese elenco de actores secundarios que crean historias paralelas que roban el protagonismo a la pareja principal.

Melchian

 

X: The unknown

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Todo amante de la ciencia ficción que se precie seguro que conoce la producción “The Blob”, una película donde se nos presentaba una criatura alienígena de carácter poco amable y con un apetito insaciable. Este largometraje se estrenó en 1958 de la mano de la Paramount y supuso el despegue de su estrella principal, un Steve McQueen entrado en años interpretando a un adolescente alocado. Además, esta producción contó con una segunda parte en 1972 y un remake bastante acertado en 1988, pero eso es harina de otro costal.

Lo que no mucha gente conoce es que en 1956 se estrenó “X: The unknown”, uno de los pocos largometrajes de ciencia ficción producidos por Hammer que nos presentaba una historia con mucha radiación, militares y una masa informe que lo arrasaba todo.

La película en sí no deja de enmarcarse dentro de la ciencia ficción de los 60’s por lo que presenta no muchos, sino todos, los tópicos característicos de estos largometrajes: el contador Geiger es la herramienta universal, los militares son zopencos estúpidos, los científicos crean teorías increíbles basándose en hechos reales y tenemos rondando un monstruo de proporciones gigantes devorando y arrasando el pueblo de turno. Pero, lo que destaca en esta producción es que se realiza a la inglesa, es decir, existe un proceso de inmersión en la trama y de explicación de los hechos que hace que se diferencie de sus congéneres del otro lado del charco.

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– Voy a jugar con este cobalto radioactivo…

En “X: The unknown” se toman las cosas con calma. Las teorías pseudocientifícas que se sacan de la manga para dar una explicación al monstruo de turno son igual de inverosímiles que en cualquier otra película del género pero, por lo menos, se toman su tiempo intentando convencerte de que son ciertas. Pasan de los tópicos alienígenas, de las criaturas mutadas por radiación y se centran en una trama que involucra la creación del planeta tierra, la evolución de los seres humanos y, de soslayo, la radiación y en la manera que los científicos experimentan con ella. Todo esto crea un escenario creíble que se desmorona en cierta parte en el tramo final de la película.

Lo que imprime un gusto a “The Blob” es el monstruo de marras. Hasta pasada una hora larga de película lo único que se nos muestra de él es una cámara subjetiva que mantiene el misterio y la forma del monstruo en el más profundo anonimato. Cuando la trama ha evolucionado lo suficiente, el director decide mostrarnos ese ente invisible que ha estado escondiendo durante todo el largometraje y la sorpresa no puede ser más mayúscula: es Blob. Tenemos una masa informe que repta por cualquier recoveco de cualquier tamaño y que emite un nivel de radiación tan alto que derrite, literalmente, a las personas. Las similitudes con el monstruo de la Paramount son más que evidentes y, dado que se estrenó dos años después, existen muchas posibilidades de que “X: The unknown” sirviera como inspiración a “The Blob”.

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Beware of the Blob, it creeps and leaps…

Los efectos especiales están bien hechos. En las tomas en las que el protagonista es el monstruo X se recurre a la superposición de metraje con un efecto muy notable. El hecho de que la fotografía sea en blanco y negro evita darle un color al monstruo y huye del rosa piruleta de nuestro amigo Blob creando un ambiente más serio que el que destila el largometraje de la Paramount. Además, el elenco elegido para interpretar los roles correspondientes lo hacen considerablemente bien, sin ningún tipo de descalificativos aplicables a su trabajo.

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Derretido por radiación

También encontramos ciertas escenas que son raras de ver en las películas de ciencia ficción de la época, sobre todo en las realizadas al otro lado del charco. Una en concreto protagonizada por un médico y una enfermera un tanto fogosos que son interrumpidos por nuestra babosa justo antes de comenzar una escena sexual un tanto explicita. Y es que en la mayoría de las películas de este género americanas la mujer no deja de ser un florero cuya única función es ser secuestrada mientras emite chillidos agudos por el monstruo/alienígena de marras, y verse en una situación de adulterio con un mujeriego conocido (se da explicaciones en la película) por decisión propia y segura de ello es un paso bastante importante en cuanto a la libertad de los personajes femeninos en el género.

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Seres prehistóricos cortando el royo desde tiempos inmemoriables

A pesar de todo esto se siguen dando escenas un tanto sesgadas por la sociedad de la época como que el lugar más seguro del pueblo sea la iglesia en la que la radiación emitida por el monstruo, cuando pasa a escasos metros de la misma, no es suficiente para matar a todo el mundo o que el párroco de la misma sea el único ser humano que puede sobrevivir al monstruo como si nada teniéndolo a un palmo de distancia.

En definitiva es una película agradable de ver y que añade cierta curiosidad fílmica por presentar al padre de Blob dos años antes de que se estrenara su correspondiente copia en Estados Unidos.

Resumen:

Un  buen ejercicio de ciencia ficción inglesa, con cierto toque Hammer, que revoluciona ciertos aspectos del género que parecen tan inamovibles en otras producciones similares. Eso de que esté protagonizada por el padre de Blob suma muchos puntos.

Melchian

Las peores películas de la historia: “Thunder of gigantic serpent”

 

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Godfrey Hoo. Este curioso nombre es aplicable a cierto “cineasta” de origen asiático que ostenta el orgulloso título de haber creado algunas de las peores producciones cinematográficas de la historia del cine. En su haber se cuentan más de un centenar de películas rodadas, casi todas, en la década de los ochenta. Es un hombre polifacético de su tiempo, guionista, productor, director y actor. Todas estas habilidades las usa en conjunto con una calidad espasmódica para crear las películas de ninjas más chusteras jamás vistas. Lo que no todo el mundo sabe es que nuestro querido amigo Godfrey, después de una noche dándole al sake, rodaba películas de “terror” mientras se le pasaba la resaca. De estas mañanas de Domingo nefastas nace la producción que hoy nos atañe, “Thunder of gigantic serpent”, o como el bueno de Godfrey diría “Daai se Wong”.

Antes de nada, permitiros un momento para echar un ojo al poster publicitario de la película. Retenedlo en vuestra memoria, absorbed todos esos pequeños detalles y atesorarlos como si se os fuera la vida en ello, porque no vais a ver nada parecido en la más de hora y media de metraje. Ese caos, esa destrucción, esas llamas, esa serpiente gigante escupiendo fuego por la boca mientras un rayo prácticamente le da en la cabeza. Dios bendiga a los dibujantes de posters de los ochenta.

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Surprise!

La trama se centra en una familia china en la que la hija pequeña tiene una extraña mascota. Nada más y nada menos que una serpiente. Pero no es una serpiente cualquiera, qué va, este reptil tiene la capacidad de entender a los seres humanos e interactuar con ellos. El lazo afectivo que se forma entre la chiquilla y la serpiente durante la película es una de las historias más desgarradoras y emotivas del panorama fílmico pasado, presente y, seguramente, futuro.

Bueno, como os podréis imaginar, a lo largo de la película, entran en escena científicos locos con buenas intenciones, un grupo terrorista más desorganizado que una caja de chinchetas y un cuerpo policial completamente inútil. La historia de siempre: científicos crean “formula” que agranda animales, terroristas intentan robar “formula”, niña encuentra “formula”, serpiente toquitea formula, terroristas secuestran niña y serpiente tira millas para salvarla, lo normal.

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Toma pixel eléctrico

Entre todo este algarabío de balas de fogueo, serpientes de goma y muchos, muchos efectos especiales a base de hilos nos encontramos con actuaciones de infarto. La pareja que ha conseguido criar a la infante tienen tres frases en toda la película siendo la más impactante la siguiente:

  • Cariño, ¿no crees que nuestra hija está un poco extraña? – Dice la madre preocupada tras ver a su hija hablar con una serpiente de plástico gigante.
  • Cómete la cena – Contesta el marido mientras sorbe fideos.
  • Si – Contesta la madre.

Después de esta demostración de maestría “guionística”, que provoca que la cerveza que estas tomando decida irse por otras vías inexploradas, descubres que la película no puede deparar nada bueno. Es entonces cuando la maestría de nuestro amigo Godfrey salva la situación incluyendo un nuevo personaje, un tipo rubio y mediomusculado que dice ser del FBI (o de cierta agencia en la sombra super secreta y mortal). Este personaje se carga a los malos antes de saber que son malos creándose así una cuenta de víctimas que, al finalizar la película, es mayor que la de los terroristas y la serpiente juntos. Lo mejor es que casi no tiene minutos en el metraje, protagoniza dos o tres escenas de presentación, mata a casi todos los terroristas a nivel mundial y desaparece. Mejor.

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– Llamada a cobro revertido por favor…

Os habréis fijado que siempre que me refiero a la “fórmula” que causa tal algarabío en la película utilizo unas precavidamente unas comillas, esto es porque el susodicho invento no es más que una caja de metacrilato que proporciona descargas eléctricas a todo lo que haya dentro. La máquina plastiquera ésta funciona de forma espontánea, sin interruptor, sin corriente, únicamente obedece las ordenes de su maestro y señor, el gran Godfrey.

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Sapito

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Sapazo

Al final de la película se consigue desahogar toda la tensión acumulada durante el metraje en un combate intenso cuando la serpiente intenta aparearse de forma infructuosa con el edificio donde tienen capturado a su amor platónico, los terroristas vuelan el edificio, la serpiente hace chucrut, la niña llora, todos se ríen y tu intentas borrar esta última hora y media de tu cabeza. Godfrey se ríe.

Resumen:

Terror chino del malo. Es Godfrey en horas bajas. Por favor, ni con un palo.

Melchian

Song of the sea

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La animación es un género cinematográfico que se presta a un mayor moldeamiento por parte del director que cualquier otro. Es verdad que en todas las películas de Hitchcock podemos ver las huellas y rasgos que lo caracterizan, así como siempre podremos distinguir un trabajo de Lynch o de Kubrick frente a otros más comunes o genéricos. Pero lo que es indiscutible es la ductilidad de los trazos presentes en las películas animadas y como los grandes artistas hacen uso de esta maleabilidad. Eso es lo que más admiro de este género y eso es lo que me empuja a escarbar entre pilas y pilas de series y películas animadas con trazos genéricos, sin el ímpetu necesario para hacer algo distinto, hasta que florecen cosas como estas. Directores como Plympton, Bass o Bakshi crean obras de arte en movimiento y, de vez en cuando, otros directores se les unen.

Entre la animación europea más moderna se ha autoimpuesto un nombre que ha demostrado su valía en su primer largometraje y la ha consolidado con su último trabajo. Tomm Moore nos presentó hace escasos dos años “Song of the sea”, un largometraje preciosista que hace uso de diversas técnicas de animación para traer a la vida una historia del folclore irlandés. La trama se centra en los tejemanejes que se lleva una familia rural aislada del mundo cuando el destino los obliga a mudarse a la ciudad.

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La historia que se desarrolla tiene numerosos paralelismos con otras grandes películas del género. Miyazaki se puede ver por muchas escenas. Esa obsesión del director japonés por “esperpentizar” las figuras humanas, sobre todo las que asumen un rol maligno (“El Viaje de Chihiro”, “El castillo ambulante”…), se puede apreciar claramente en el enemigo mitológico que se representa en este trabajo. También, la facilidad que muestra este director por la adaptación de elementos del folclore japonés en largometrajes de índole familiar, de fácil digestión y con un componente de inmersión espectacular encuentra su símil con la facilidad con la que Moore nos introduce en ese mundo lleno de gnomos, hadas, trolls y otras criaturas mitológicas. Es indiscutible la similitud existente entre películas como “Ponyo en el acantilado” o “Mi vecino Totoro” y el trabajo que nos atañe y no es de extrañar que estas últimas hayan sido una fuente de inspiración notable en el desarrollo de la trama de la película.

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Pero, sinceramente, por mucho que la historia sea el motor de la película no es lo que me obligó a estar la hora y media que dura la misma delante del televisor.

La trama de este largometraje es un mero vehículo que transporta la inigualable ambientación “celta” en la que se apoya la totalidad del trabajo. Se podría decir que existen dos películas totalmente diferentes, la primera parte en la que los protagonistas desarrollan su vida en la ciudad y la segunda parte donde se desata la magia que se esconde detrás de la leyenda irlandesa. Son en estos últimos tres cuartos de hora cuando la excelencia de Moore con la animación brilla en su máximo esplendor. Y es que no basta con saber hacer las cosas bien, hace falta transmitir, hace falta imbuir al espectador en el mundo que creas, y esta película lo consigue.

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Los trazos redondeados de este animador, a los que ya nos acostumbró en su primer largometraje (“El secreto del libro de Kells”), se mezclan con runas celtas grabadas en cualquier superficie, brillos hipnóticos y geométricos que inundan el aire, escenografías sacadas de libros infantiles que cobran vida imbuidas por la magia del director, estatuas y elementos decorativos que automáticamente agregas al paisaje sin fijarte en ellos pero que en realidad llevan un carga inmersiva enorme. En definitiva, un compendio de imágenes que sacarán a ese pequeño ser infantil que llevamos dentro. Lo que menos me gusta de estas películas es lo mal que se explican sus virtudes mediante palabras, por ello, os insto a que le echéis un ojo y os zambulláis de lleno en ese mundo de fantasía folclórica preciosista del que nunca querréis salir.

Resumen:

Una maravilla de lo animado. Preparate para viajer y sumergirte en un mundo rico y preciosista.

Melchian

The cabin in the woods

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La carencia de originalidad en el cine actual es un hecho casi irrefutable. Mientras que los grandes estudios de Hollywood apuestan por los famosos remakes innecesarios, precuelas de películas de hace más de 20 años y secuelas octogenarias los fans se han cansado ya de revindicar ese concepto de originalidad que parece tan desligado de la industria del séptimo arte.

Pero como en todo esta premisa apocalíptica no es universal. Aún quedan pequeños directores que impresionan con borradores a los grandes productores y, de vez en cuando, sale a la palestra un largometraje que insufla un poco de aire fresco.

En el 2011 la MGM produjo la idea de un joven director que ha llegado a convertirse en una película de culto en tan solo dos años y medio. Estamos hablando “The cabin in the woods”.

La sinopsis oficial nos la vende como un típico slasher rural, una cabaña abandonada en el bosque, un grupo de adolescentes y “algo” que empieza a matarlos. Y es que este largometraje no es más que una sucesión de clichés y tópicos de terror con el único objetivo de satirizar un género que lleva estancado demasiado tiempo.

Los amantes de estas películas encontrarán homenajes a grandes clásicos que nos intentan vender como exigencias del guion. De esta forma se desarrolla una trama que mezcla un gore ligerillo, terror, mucho humor negro y surrealismo apocalíptico. ¿Qué más se puede pedir?

Los puntos fuertes de esta película se centran principalmente en tres facetas:

–          La deformación de una trama, que en un principio parecía de lo más tradicional, hasta convertirse en una sucesión de giros, sorpresas y eventos que bien podrían protagonizar una película surrealista de los años 70. No voy a entrar en detalles para no destriparos la película.

–          El segundo pilar es la innumerable lista de homenajes al cine de terror clásico y moderno. Desde la casa, pasando por el guion, los personajes etc, etc… Lo más interesantes de esto es que  al final te preguntas si son verdaderos homenajes o una sátira más de la degeneración de género actual o, incluso, una necesidad real del guion para el desarrollo de la inusual trama.

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La cabaña de “Evil dead 2”

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La cabaña de “The cabin in the woods”

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La caja redonda de “Hellraiser”

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Un “Hellraiser” con su cajita

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Versión diario del Necronomicon con frase en latín incluida.

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Espiritu japo con mala ostia… ¿Samara?

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Si, no me he equivocado de captura… “Los extraños”

–          Y el tercer y último es un humor negro vasto, crudo e irónico que arranca carcajadas esporádicas que se mezclan con planos de desmembramientos y puros ríos de sangre.

El colofón final es ese cierre del telón magistral que corta la trama justo donde la tiene que cortar y que te deja con unas ganas increíbles de rebobinar (o volverle a dar al play) para disfrutar de nuevo de esa más de hora y media de aire fresco que, irónicamente, exprime los grandes clásicos con afán de innovación. Industria hollywoodiense, tomad nota.

Resumen:

Impresionante y sarcástica obra reivindicadora de originalidad que, irónicamente, se basa en los grandes clásicos del género del terror para crear una trama completamente original. Una película de culto echa a base de obras de culto.

Melchian